팔복예술공장(a동 2층 전시실)
한벽문화관(1층 전시실)
‘동아시아문화도시 Culture City of East Asia’ 사업은 한·중·일의 문화 다양성 존중이라는 가치 아래 지속적인 문화 교류를 진행하고 있다는 국제교류 사업이다.
2023년 올해는 한국 전주시 全州市, 일본 시즈오카현 静岡県, 중국의 청두시 成都市, 메이저우시 梅州市 가 선정되어 다양한 문화교류 프로그램을 진행한다.
“동아시아문화도시 현대미술교류전 <和/Harmony/화>”展은 3국의 선정도시 작가 간의 교류전시로, "동아시아의 의식, 문화교류와 융합, 상대문화 이해"의 정신을 기반으로 3개 도시의 현대미술 작품을 선보인다.
동아시아 3국은 유교와 한자 문화 등 문화적 유대감을 공유하고 있으나, 최근 정치, 경제, 군사적인 이유로 반목을 거듭하고 있다. 문화의 힘은 위기와 격랑의 순간에도 협력하고 함께 극복할 수 있는 저력이 있다는 것을 본 전시를 통해 보여주고자 한다.
경계를 허물어 조화를 이루며 평화로운 밝은 미래로 뻗어 나아가고자 하는 <和/Harmony/화> 전시로 이러한 3개국 작가들의 열망을 담아내고 있다.
본 전시는 동시대 현대미술이 나아가야 할 한·중·일 3국의 미술 담론과 눈에 보이는 그 이상의 사유와 시대정신을 표현한 실험적인 작품들의 변주로 현대미술이 주는 매력은 물론 동아시아 현대미술의 현주소를 가늠할 수 있는 소중한 계기가 될 것이다.
한․중․일 3국의 4개 도시 전주, 시즈오카, 청두, 메이저우가 함께하는 ‘2023 동아시아문화도시 현대미술교류전’ <和/Harmony/화>는 각국 작가들의 작품 전시를 통해 시각적 조화와 화합을 이뤄내며 사회, 문화, 예술 전반에 걸친 우리의 삶을 조명한다.
‘함께 보고, 느끼고, 공유한다’는 주제로 예술의 다양한 방면으로의 확장성, 확장가능성을 투영한 이번 전시는 ‘동아시아문화도시’프로젝트로 연결된 4개의 도시를 현대미술로 한 번 더 단단히 연결하고자 한다. 코로나 팬데믹 동안 불가능 했던 ‘함께-여기에-있음’실천하고 실제 만남을 통해 참여와 소통, 공감과 연대를 만들고자 한다. 이제 시작이지만 실제로 만나고 이미지로 교류함으로써 예술적으로 3국의 경계를 허물며 보이지 않는 실로 연결한다. 그리고 여기, 전주 ‘팔복예술공장’과 ‘한벽문화관’을 시작으로 귀결이 아닌, 확장, 지속가능성을 기대하며 전주 현대미술의 가능성 또한 점쳐 보고자 한다.
전시장 내부는 3국 참여 작가 11명이 중첩된 시간 속에서 탐색해온 예술 담론과 사색이 녹아든 대표 작품들로 채워진다. 그 속에서 현대미술의 시대적 흐름 속, 닮았지만 또 다른 각국 간의 현대미술의 경향을 체감해 볼 수 있을 것이다. 또한 3국 작가들의 작품은 분명 제각각의 시대성, 지역성을 소환할 테지만 알게 모르게 서로의 삶에 개입해 영향을 주고 받아왔기에 결국 ‘동아시아’라는 교집합으로 인해 화합과 조화를 이뤄낼 것이다.
이번 전시의 한국 작가는 전주 출신이면서, 전주를 기반으로 작업하는 범준, 서완호, 이루리, 조해준 작가가 참여한다. 전주를 기반으로 한다지만 이미 작가들은 서울과 광주, 부산 등등 지역을 규정하지 않으며 작업한다고 해야 맞을 것이다.
팔복예술공장 창작 레지던시 거주 작가로 참여하기도 한 범준은 1985년 전주에서 태어나 전주와 서울을 오가며 작업하고 있다. 범준은 산을 그리며 삶을 이야기한다. 예술보다 삶에 더 관심을 두고, ‘삶’과 함께 ‘무한성’이라는 주제를 수행적으로 드러내며 작업을 전개한다. 최근 <흐르는 산>이라는 주제로 개인전을 열었고 영국 런던에서 전시 <Blurred Traces>로 2인 전을 진행하였다.
범준의 산 하나 하나는 곧 삶이고 하나의 이야기이자 역사가 된다. 첩첩산중에서 산이 겹쳐지고 포개지는 것은 무한한 이야기, 삶과 죽음, 생성과 소멸의 무한성을 의미한다.
1982년에 태어난 서완호 작가는 주로 도시 외곽이나, 원래의 기능을 잃어버린 배회하는 풍경을 그리고 있다. 작업 초기에는 타인의 얼굴에 비닐을 씌운 상태를 묘사한 인간에게서 교환가치만을 남기는 작업을 진행하였고, 이후 녹아내리는 것같은 초상화 연작으로 인물의 감정이 투사된 이미지를 만드는 작업을 해왔다. 2017년부터 인물에서 풍경으로 관심이 옮겨가면서 화면 위에는 인물이 사라지거나 인물의 실루엣만 남기는 방식으로 작업했다. 이로써 미리 정해놓은 메세지와 감정은 캔버스 뒤로 유보하고 자의성이 배제된 묘사로써 감상자가 작품에 개입할 여지를 남겨 놓으려 했다. 기법적으로 유화의 물성을 이용해 형체를 밀어내거나, 과장 혹은 삭제 하는 방식으로 대상에서 느껴지는 감정이나 느낌을 극대화 시키는 방법으로 작품연구를 하고 있다.
1992년 전주에서 태어난 이루리 작가는 철 조각 유닛을 이어 붙여 확장해 나가며 형태와 감정을 드러내다. 그렇게 연결된 유닛들이 파도 같은 파장을 만들어내는 작업을 이어오고 있다. 마치 자신이 철 조각 유닛의 하나인 것처럼 시작하지만 획일화된 유닛들은 점점 변화해 가며 개성을 획득하는 듯 변화하며 독특한 조형미를 드러낸다. 작가는 자신의 경험, 감정, 사회에 속한 일원임을 자각하는 것 등을 작품에 녹여 아주 개인적이지만 관객의 공감을 얻어내는 작업을 이어가고 있다.
1972년 전주에서 태어난 조해준 작가는 아버지 조동환과 함께 부모 세대에 대한 이야기를 담은 다큐멘타리 드로잉 작업을 시작(2002)해, 아버지가 경험했던 미군 이야기를 드로잉 시리즈로 담은 <미군과 아버지>, 1980년대부터 1991년까지 민중미술 작가들이 겪었던 일화들을 다룬 <놀라운 아버지>, 일제 식민치하에서 태어나 개발독재, 민주화시기를 겪었던 당숙의 일대기를 책으로 펴낸 <뜻밖의 개인사>, 독일 유학시절, 동유럽 출신의 불가도이치(Wolgadeutscher)의 개인사를 드로잉 시리즈로 풀어낸 <불가도이치:독일 밖에서 비추어 본 풍경>, 북한 사람들과의 만남을 경험했던 구동독 출신의 북조선 이야기를 담은 <북조선: 북한 밖에서 비추어 본 풍경> 등을 제작하였다.
이번 전시에 출품되는 조해준의 작품 중 총 16점으로 제작된 <미군과 아버지-초상>(2013~2019)은 1945년 북해도에서 처음 본 미군에서부터 한국 전쟁을 지나 1958년 카투사 복무 시기까지 미군에 대한 기억을 다루었다. 이 초상 작품은 평택 미군기지 주변에서 미군들의 초상화를 그려주는 상업 화가들을 수소문하고 이들을 찾아가 기존 작품 <미군과 아버지>(2005~2009)에 등장했던 인물들의 드로잉 초상화를 화가들 본인들의 기존 방식대로 그려달라고 의뢰한 유화 작품이다. <미군과 아버지-초상>은 기억과 다른 기억들이 만나게 하고 거기에서 파생된 또 다른 기억들을 불러 모으는 작업이다. 이 작업은 우리 시대를 과거의 시대와 함께 드러냄으로써 오랜 시간 잊혀지고 방기 되어 온 현실의 좌대를 우리의 시야 앞으로 데려오는 것이다. 이러한 일련의 작업들은 너무나 사소하고 평범하지만 그럼에도 역사의 단면을 담고 있는 개인들의 기억을 복원해 냄으로써 현재를 떠받치는 과거를, 현재의 좌대가 된 과거를 증언하는 것이다.
전시에 참여하는 전주 출신의 네 작가의 관심사는 물론 다 다르지만 각자의 상황과 세대의 시대성을 드러낸다. 하지만 이들 작품의 주제는 결국 삶에 대한 것이고 이곳 한국, 전주, 가족, 나로 귀결되면서 국제적으로도 구체적인 보편성을 획득할 것이다.
이번 교류전을 통해 작가 간, 도시 간의 보다 능동적이고 적극적인 문화교류가 이어지기를 기대한다. 더불어 지리한 3년 간의 단절을 끊고 감정적인 거리를 좁히고자 한다. 그렇게 좁아진 감정적 거리를 통해 물리적인 거리감 또한 좁혀가길 희망한다. 이미 우리는 오랜 과거부터 서로 교류하며 서로의 문화적 흔적을 켜켜이 쌓아왔다. 그리고 이러한 <和/Harmony/화>전 같은 작은 만남을 시작으로 보다 더 두터운 관계 미학을 생성한다면, 이미 서로 중첩된 현재를 만들어 낸 3국 작가들이 동시대 미술의 지표가 되는 내일을 기대해 볼 수 있을 것이다.
The “2023 Culture City of East Asia Contemporary Art Exchange Exhibition” <和 / Harmony / 화> brings together four cities from South Korea, China, and Japan—Jeonju, Shizuoka, Cheongdu, and Meizhou—to illuminate our lives across society, culture, and art through the exhibition of works by artists from each country.
Under the theme of “Seeing, Feeling, and Sharing Together,” this exhibition aims to solidify the connection between the four cities involved in the “Culture City of East Asia” project through contemporary art. It seeks to create participation, communication, empathy, and solidarity through real encounters, practicing the “Together-Here-ness” that was impossible during the COVID-19 pandemic. It is now the beginning of actual encounters and visual exchanges that break down the boundaries of the three countries, connecting them invisibly. Furthermore, starting from Jeonju, with the Contemporary Art Factory of Palbok and Hanbyeok Cultural Center as the starting point, the exhibition looks forward to the expansion and sustainability of contemporary art in Jeonju.
The exhibition space will be filled with representative works that embody the artistic discourse and contemplation explored by 11 participating artists from the three countries in the overlapping times they have traversed. Within them, people can perceive the trends of contemporary art in each country, which are similar yet distinct in the flow of contemporary art. Moreover, while the works of artists from the three countries will undoubtedly summon their respective timeliness and regional characteristics, they will ultimately achieve harmony and unity through the convergence of “East Asia.”
Among the participating Korean artists in this exhibition are Beom Jun, Seo Wanho, Lee Ruri, and Jo Haejun, who are from Jeonju and working based in Jeonju. Although they are based in Jeonju, their artistic practice extends beyond the boundaries of Seoul, Gwangju, Busan, and other regions.
Beom Jun, who is also participating in residency program of the Contemporary Art Factory of Palbok, was born in Jeonju in 1985 and has been working between Jeonju and Seoul. Beomjun tells stories through the depiction of mountains. He is more interested in life than art and carries out his work performatively, focusing on the theme of “life” and expressing the “infiniteness” together with it. Recently, he held a solo exhibition under the theme of “Flowing Mountains” and co-organized a two-person exhibition in London titled <Blurred Traces>.
Seo Wanho, born in Jeonju in 1982, primarily depicts landscapes on the suburb of cities or landscapes that have lost their original function. In his early works, he painted individuals with vinyl coverings over their faces, leaving only an exchange value for the figures, and later pursued a series of portrait works that project the emotions of the subjects through images that appear to melt away. Starting in 2017, his interest shifted from figures to landscapes, and his works either eliminate the figures or leave only their silhouettes on the screen. In this way, he intended to reserve the predetermined messages and emotions behind the canvas and leave room for viewers to engage with the artwork through depictions that exclude subjectivity. By utilizing the properties of oil painting techniques to push and exaggerate or delete forms, he aims to maximize the emotions and sensations felt from the subjects.
Lee Ruri, born in Jeonju in 1992, extends and expands welded iron units to reveal forms and emotions. The interconnected units create wave-like ripples, generating a unique sculptural aesthetic value. The artist incorporates her experiences, emotions, and belonging to society into her works, resulting in very personal yet relatable pieces that resonate with the audience.
Jo Haejun, born in Jeonju in 1972, started his documentary drawing works with his father, Jo Donghwan, capturing stories about the parent generation. He depicted his father’s experiences with the US military in the series <미군과 아버지US Military and Father>, anecdotes that Korean Minjungmisul artists experienced from the 1980s to 1991 in <놀라운 아버지 Amazing Father>, personal stories about the turbulent period from colonial rule to developmental dictatorship and democratization in the book <뜻밖의 개인사 Unexpected Personal History>, and the stories of ‘Wolgadeutscher’, a Wolga German, who studied abroad in Germany, in the series <불가도이치:독일 밖에서 비추어 본 풍경 Wolgadeutscher: Scenery Seen from Outside of Germany>. He has conveyed various stories through his artwork.
One of Jo Haejun’s works exhibited in this exhibition, <미군과 아버지-초상 US Military and Father – Portraits> (2013-2019), consists of a total of 16 oil paintings. It shows memories of the US military, from their first encounter in the northern coastal region in 1945 to the Korean War and his father’s service in the KATUSA (Korean Augmentation To the United States Army) until 1958. This portrait work involved seeking out commercial painters who draw portraits of US military personnel around the Pyeongtaek US military base and commissioning them to paint portraits of the individuals who appeared in the previous drawing series <미군과 아버지 US Military and Father> using their own painting style and methods. <미군과 아버지-초상 US Military and Father – Portraits> is a work that brings together some memories with other different memories, gathering derived memories from their convergence. It brings the forgotten and neglected realities of our time back into our sight by displaying our era alongside the past. This series of works may seem trivial and ordinary, yet they restore personal memories that contain aspects of history, testifying to the past that supports the present and becoming a present-day bastion.
Although the interests of the four Jeonju-born artists participating in this exhibition are all different, they each reveal their own situations and the zeitgeist of their generation. Also, their works ultimately revolve around life, and as they converge in this place—Korea, Jeonju, family, and myself—they will gain concrete universality even on an international scale.
Through this exchange exhibition, we hope for more active and proactive cultural exchanges among the artists, cities and countries. We also aim to bridge the emotional gap that has been widened during the past three years of separation and bring people closer together emotionally. By narrowing the emotional distance, we hope to also narrow the physical distance. We have already been exchanging and accumulating each other’s cultural traces for a long time, from the past to the present. And with small encounters like the <和 / Harmony / 화> exhibition as a starting point, if we can generate a stronger relational aesthetics with the overlapping present created by the artists from the three countries will become a index of contemporary art for the future.
동아시아 삼국은 지리적 권역을 넘어서는 오랜 문화적 습합(習合)의 전통을 공유하고 있다. 한자를 바탕으로 한 문자와 언어, 쌀을 주식으로 하는 벼농사의 농경문화, 지금도 이어져 오는 불교를 근간으로 하는 종교 등 3국은 국경이 보이지 않던 시절부터 수 천년 간 서로 영향을 주고 받았다. 비록 근대 제국주의와 냉전 등 과거사에서 비롯된 갈등이 묵은 감정을 만들었지만 최근엔 비교적 평화롭게 각자의 체제를 유지하면서 서로 발전해 왔음은 눈 여겨 볼 지점이다. 그럼에도 또 다시 ‘신냉전’, ‘투키디데스 함정’으로 불리는 미중 갈등이 대두되면서 정치, 경제, 외교 등의 문제로 반목을 거듭하는 국가간의 갈등이 다시 위세를 보이고 있다. 마치 냉전의 기억을 되살리려는 듯 대국을 중심으로 한 편가르기가 코로나 팬데믹과 더불어 다시 시작되었고 코로나 바이러스는 혐오의 수단으로 작동하기도 했다.
여전히 3국은 복잡 다단한 관계로 얽혀있다. 코로나 팬데믹은 지난 3년 간 우리를 단절시켰고 모두에게 공포와 지루함을 경험하게 했다. 나는 최근 엔데믹이 시작되면서 외국 손님들과 몇몇 지역의 박물관을 방문할 일이 있었는데 1000년이 훌쩍 넘는 시간부터 영향을 주고 받은 유물들을 보고 있노라니 교통 수단이랄 것이 없던 고대에도 활발히 교류했던 고대인들의 노력이 놀랍기도 하며 한편 부끄러워 지면서 우리는 얼마나 서로 쉽게 만날 수 있었는지를 돌이켜 보게 되었다. 더불어 팬데믹으로 서로 단절되었던 지난 3년은 만남에 대한 갈증을 심화시켰음은 부정할 수 없는 사실이다.
‘동아시아’혹은 냉전시대 ‘극동’이라 불리는 3국의 위치는 우리가 스스로를 부르는 이름이 아니었다. 서구의 관점에서 유라시아대륙의 동쪽에 위치한 한중일을 일컫는 용어다. 하지만 지금 ‘동아시아’라는 호명은 담론과 함께 굳어져 버렸고 어쩌면 스스로를 타자화해 타인의 관점에서 우리 자신의 위치를 ‘동아시아’로 규정한다. 한국에서는 중국의 개방 이후 그러니까 탈냉전으로 들어서면서‘동아시아담론’이 활발히 거론되기 시작했다. 이는 남과 북으로 쪼개진 한반도의 정치적, 지정학적인 상황과 역할에 대한 이론적 고찰과 더불어 근대 이후 이어져온 서구 주도의 정치, 경제, 외교 문제의 돌파점을 찾기 위함이기도 하였다. 그런 의미에서 2014년‘동아시아문화도시’를 약속한 한중일 문화장관회의는 세계 관계 속에서 어쩌면 국가를 넘어 ‘문화’를 매개로 동아시아 담론을 실천하기 위한 노력으로 볼 수 있다. 그러나 이러한‘동아시아’ 담론은 한중일 대국을 중심으로 유라시아 동쪽에 위치한 타국을 소외시킨다는 비판을 받기도 하고 더불어 국가간 영토 갈등, 아세안 국가들과의 관계들 까지도 고려해야 한다는 성찰은 곱씹어 봐야 한다.
나는 중국 큐레이터의 역할을 제안 받으면서 복잡다단한 3국의 관계 속에서 어떠한 스탠스로 접근해야 할 지 고민했다. 그러나 여러 담론과 상황은 차치해 두고 그럼에도 불구하고 우리는 만나 서로의 입장을 이해하고 함께 미래를 상상하는 자리를 만들고 싶었다. 일본의 하라다 아키카즈 큐레이터의 말처럼 3국의 교류는 어쩌면 이제 합주를 시작해 조화(調和)를 이루어가는 연습이며 종착지를 함께 찾으며 길을 떠나는 시작, 동반의 과정이라 할 수 있을 것이다.
1955년에 태어나 사천미술학원에서 수학하고 중국 청두와 중경, 미국을 오가며 활발히 활동하는 허공何工 작가는 2005년부터 사천미술학원 교수로 재직 중이다. 많은 이들에게 영향을 주며 존경 받는 작가는 유목민의 삶을 실천하며 여행 중 수집한 필름, 골동품 등과 경험한 사건 등 과거를 통해 현재와 미래의 방향을 제시한다. 이번에 전시되는 작품들은 코로나 팬데믹 기간 어려움에도 불구하고 북미 지역을 여행하며 작업한 것으로 이는 작가의 시각적인 일기가 된다.
등지안진 邓箭今 작가는 1961년 광동성 메이저우에서 태어나 현재 중국 광저우 미술 학원 서양화과 석사 과정 지도교수로 재직 중이며 태국 시나와트라 국제 대학에서 박사 과정을 지도하고 있다. 덩지안진은 사람의 몸, 자세, 등의 형식을 감정, 폭력, 권력의 은유로 유화 작업과 판화 작업을 이어 오고 있다. 통찰력을 바탕으로 한 조롱, 허영, 과시하는 듯한 거칠게 표현된 인물은 인간 본성의 일부를 보여 주는 작업으로 현실을 직시하게 만든다. 이러한 작업을 통해 작가는 빠르게 변화해 온 중국의 현대화와 산업화에 대한 또 다른 시각을 제시한다.
장진 张晋 작가는 1978년 사천성에서 태어나 청두에 거주하며 작업하고 있다. 2004년 중국 과학기술대학에서 재료화학 학사 및 석사 학위를, 2007년 뉴욕 대학교 공과대학에서 화학 박사 학위를 받았다. 현재는 중국 사천음악학원 실험예술학부에 재직하며 작업 방법과 큐레이토리얼 방법을 가르치고 있다. 주로 사진과 영상, 설치 작업을 통해 소비사회의 면모를 드러내는 메시지를 전달하며 다양한 시각적 실험을 이어가고 있다. 장진은 여행과 관광, 여가 활동의 소비 구조에 의문을 가지고 관광객의 입장에서 스스로의 이미지를 소비하는 상황을 드러내는 작업을 이번 전시에서 선보인다.
전시 참가자 중 최연소인 구디안 古典 작가는 1995년 사천성에서 태어나 중국미술학교에서 조소를 전공하고 청두에서 작업하고 있다. 대규모 장기 프로젝트인‘군도 계획’ (Uniislands)을 진행하고 있으며 시화대학교에 출강하여 학생들을 가르치고 있다. 구디안은 고대 미술의 문화 간 비교, 조각, 공공 경관, 뉴미디어 아트와 시각 문화에 대해 연구하며 활발히 작업하고 있다.
<和>展에 전시되는 <Root Reflection>은 전시를 위해 새롭게 제작된 작품으로 동양, 아시아에 대한 이야기를 담고 있다. 구디안은 동아시아 사회에서 유용하게 사용되면서 각국마다 유사하면서 또 다른 다양한 상징과 은유를 지닌 대나무를 이용해 동아시아 국가들의 문화적 정체성과 정신적 함축 사이의 관계를 드러낸다. 어쩌면 이는 인류 보편의 관계를 보여주며 인류 전체의 뿌리를 더듬어 볼 수 있는 작업이 될 수도 있다. 더불어 대나무 줄기의 절단면에 설치한 반사판은 관객들이 스스로를 반추하는 거울이 되며 동아시아 문화의 렌즈 역할을 하도록 고안되었다.
<和화>展은 복잡다단한 3국의 관계 속에서 ‘동아시아’에 대해 질문하며 ‘동아시아’의 미래를 상상하는 계기를 만들고자 한다. 지역에 대한 문제는 언제나 번역을 요구하지만 그 번역 과정 속에서 우리는 어쩌면 ‘동아시아’라는 커다란 지역의 공통감을 찾을 수 있을 지도 혹은 국가주의라는 테두리 안에서 ‘동아시아’의 허구성을 발견할 지도 모른다. 그러나 전주, 청두, 메이저우, 시즈오카 지역에서 활동하는 작가들의 개별적, 지역적 사건을 기반으로 하는 구체적인 작품은 번역을 넘어서는 보편적 정서를 이끌어 낼 것이다.
그럼에도 불구하고 우리는 더욱더 많이 만나 예술적 연대를 만들어야 한다. 만나서 소통해 부정적인 묵은 감정 등 불화不和를 넘어 함께 화합和合해야 한다. 묵은 감정은 이해를 통해 화해和解를 만들고 삐걱거리는 불협화음은 조화調和로운 화음和音이 되어야 한다. 그리하여 이곳 3국을 중심으로 동아시아에 평화平和가 깃들 수 있기를, 우리 모두 같은 마음(同感)이기를 바란다.
The three East Asian countries China, Japan and Korea have shared a long-standing tradition of cultural fusion that transcends geographical boundaries. From the use of Chinese characters in writing and language to the agricultural culture of rice cultivation, as well as the influence of Buddhism as a foundational religion, these three countries have influenced and been influenced by each other for thousands of years. Despite past conflicts stemming from modern imperialism and the Cold War, we, 3 countries have managed to maintain peace relatively in recent years and continue our respective developments. However, the resurgence of tensions between the United States and China, referred to as the “New Cold War” or “Thucydides Trap,” has once again brought forth conflicts in politics, economy, and diplomacy. Additionally, the COVID-19 pandemic has acted as a catalyst, intensifying these conflicts and even fueling hatred and animosity.
The relationship among the three countries remains complex and intertwined. The pandemic has disrupted our lives for the past three years, instilling fear and monotony in everyone’s experiences. Personally, I had the opportunity to visit museums in some regions and interact with foreign guests. As I looked at artifacts that have influenced and been influenced by each other for over a millennium, I was amazed by the efforts of ancient people who actively engaged in cultural exchanges, even during times when transportation was limited. At the same time, I felt a sense of shame, reflecting on how easily we could have connected with one another. The past three years, marked by the pandemic-induced isolation, have intensified our yearning for connection and human interaction.
The term “East Asia” or “Far East” which have been called upon during the Cold War, referring to the three countries, was not a self-designated name. It is a Western perspective that denotes the eastern part of the Eurasian continent encompassing China, Japan and Korea(North and South). However, the term “East Asia” has solidified along with the discourse, and perhaps we have internalized it, defining our own position from the viewpoint of others. In South Korea, the discourse of “East Asia” has gained traction since China’s opening up, which marked the transition into a post-Cold War era. It aims to explore the theoretical analysis of the divided Korean Peninsula and its political and geopolitical roles, as well as to find breakthroughs in the Western-dominated political, economic, and diplomatic issues since modern times. In this sense, the cultural ministers of China, Japan and South Korea promised to establish the “Culture City of East Asia” in 2014, which can be seen as an effort to put the discourse of East Asia into practice through culture, transcending national boundaries. However, this discourse has been criticized for marginalizing other countries located in the east of Eurasia, as well as for neglecting territorial disputes and relationships with ASEAN countries. We need to deeply reflect on these criticisms and consider political, economic, and diplomatic issues, but as artists, we should also utilize our unique imagination.
As I contemplated my role as a curator for Chinese artists within the complex relations among the three countries, I pondered on how to approach the subject. Despite the various discourses and circumstances, I wanted to make a chance and space where we can understand each other’s perspectives and envision our future together, putting aside the complexities. As Japanese curator Harada Akikazu mentioned, the interaction among the three countries might be seen as a collaborative practice, starting a harmonious journey toward a common destination. It can be seen as a process of practicing together, harmonizing and embarking on a journey, leaving together.
Born in 1955, He Gong is an active artist who has been traveling between Chengdu, Chonqing and Beijing in China, as well as the United States. Since 2005, he has been serving as a professor at the Sichuan Fine Arts Institute. He has influenced and earned respect from many artists through his practice of living as a nomad. His works, through old films and antiques which he collected during travels and his experience, reflect the past and offer directions for the present and future. The artworks being exhibited this time were created during his travels to North America, despite the challenges posed by the COVID-19 pandemic, serving as visual diaries of the artist.
Deng Jianjin, born in 1961 in Guangdong Province, China, is currently a professor in the Department of Western Painting at the Guangzhou Academy of Fine Arts and also supervises doctoral programs at the Srinakharinwirot University in Thailand. Deng has been working on oil paintings and printmaking, using human forms such as body postures and backs as metaphors for emotions, violence, and power. Through insightful portrayals, his works reveal certain aspects of human nature and force viewers to confront reality. Through his works, Deng offers an alternative perspective on the rapid modernization and industrialization of China.
Zhang Jin, born in 1978 in Sichuan Province, China, resides and works in Chengdu. He received his bachelor’s and master’s degrees in Material Chemistry from the University of Science and Technology of China in 2004, followed by a Ph.D. in Chemistry from New York University’s Tandon School of Engineering in 2007. Currently, he works at the Experimental Art Department of the Sichuan Conservatory of Music, teachingmethods and curatorial approaches. Zhang primarily engages in photography, video, and installation works, conveying messages that expose the facets of consumer society. He conducts various visual experiments and presents artworks that reflect on the consumption structure of travel, tourism, and leisure activities.
Gu Dian, the youngest participant in the exhibition, was born in 1995 in Sichuan Province, China. He majored in sculpture at the China Academy of Art and currently works in Chengdu. He is undertaking a large-scale long-term project called “Uniislands” and lectures at Shih Hsin University, teaching students. Gu Dian directs research on comparative culture, sculpture, public landscapes, new media art, and visual culture. Through his vibrant practice, he explores the culture and symbolism of ancient art, critically engaging with the consumerism inherent in contemporary society.
The artwork “Root Reflection” exhibited at this exhibition is a newly produced piece that encompasses stories about the East Asia and the Eastern. Gu Dian utilizes bamboo, which is widely used in East Asian societies and holds diverse yet similar symbols and metaphors, to reveal the relationship between the cultural identity and spiritual implications of East Asian countries. It may reveals as a work that showcases the universal relationships among humanity, allowing us to explore the roots of all humankind. Additionally, the installation of reflective panels on the cut surface of the bamboo stems is designed to show as a mirror for the audience to reflect upon themselves and function as a lens for East Asian culture.
The exhibition <和 Harmony> aims to raise questions about “East Asia” within the complex and multifaceted relationships of the three countries involved and to stimulate imagination about the future of “East Asia.” Issues related to the region always demand translation, but during this translation process, we might discover a sense of commonality within the vast region known as “East Asia,” or perhaps even uncover the fictitious nature of “East Asia” within the confines of nationalism. However, specific artworks based on individual and regional events of Jeonju, Chengdu, Meizhou and Shizuoka will go beyond translation and evoke universal emotions.
Nevertheless, we must strive to create more encounters and artistic solidarity. Through these encounters and communication, we should transcend negative suppressed emotions and disharmony(不和) and strive for harmony and unity(和合). Suppressed emotions can be transformed into reconciliation(和解) through understanding, and dissonance can be transformed into harmonious melodies(和音) through harmony(調和). Therefore, it is our hope that peace and harmony(平和) can take root in East Asia, centered around these three countries, and we wish for all of us to share the same sentiment(同感).
“동아시아”는 모호한 개념이다. 원래 “아시아”라는 단어는 고대 그리스어에서 현대의 중동을 가리키는 데 사용되었다.(일부 학자들은 아시아를 아시리아와 연결하기도 한다.) 그리고 방향은 기준에 따라 상대적이기에 “동(쪽)”이라는 말은 명확히 유럽 중심적인 시각을 나타낸다. 만약 우리가 태평양 중앙에 있다면 ‘동아시아’는 서쪽 끝에 위치하게 된다. 반어적이지만 이것이 ‘동아시아인’인 우리를 포함한 세계가 동아시아를 보는 방식이다.
이번 전시를 준비하기 위해 처음 전주를 방문했을 때 나는 한국계 미국 소설가 이민진의 “파친코”라는 책을 가지고 왔다. 부산의 작은 섬에서 태어난 한국(조선) 여성이 일본의 오사카 및 다른 장소로 이주해 살아가는 내용을 담은 이 책의 주인공은 한국인과 일본인이지만, 나는 소설에 등장하는 유일한 중국인 캐릭터 ‘후’에 특히 흥미가 생겼다. 너무 순진하게 들릴 수 있지만 오사카에서 교회지기로 일하는 ‘후’의 존재와 “동아시아”라는 구절로 인해 그 소설은 더욱 나의 가슴을 울렸다.
이 전시회에는 세 명의 시즈오카 출신 예술가인 오쿠나카 아키히토, 스즈키 타카시, 모토하라 레이코가 참여한다. 그들의 예술적 방법과 매체는 서로 확연히 다르지만, 모두 자신만의 방식으로 기존의 관습에 도전한다는 공통점이 있다. 그들의 작품은 우리가 세상의 외연과 구성을 어떻게 바라보는지, 우리 주변 환경을 어떻게 경험하고 이해하는지 또는 우리 자신이 타인을 어떻게 대하는지에 대한 질문이며 도전, 실험이다. 그들의 작품은 마치 관객을 태평양 중앙에 던져놓고 “동아시아는 어느 방향인가요?”라고 묻는 질문과 같다 할 수 있다.
오쿠나카 아키히토는 1981년 교토에서 태어나 시즈오카 대학교에서 예술교육을 전공했다. 교육학이라는 학문을 바탕으로 오쿠나카는 일본과 해외의 아이들을 대상으로 예술 워크숍뿐만 아니라 아트 페스티벌 등 다양한 프로젝트에 활발히 참여하고 있다. 최근 그는 인간과 자연, 사물이 관계 맺고 상호작용하는 것과 관련된 “역동성”에 초점을 맞춰 작업하고 있는데 관객은 그의 대형 몰입형 설치 작품에 말 그대로 직접적으로 “참여”하며 시각, 청각, 촉각과 같은 다양한 감각을 통해 시공간을 직관적이고 물리적으로 경험할 수 있다.
스즈키 타카시는 1971년 생으로 미국 보스턴 예술학원과 독일 뒤셀도르프 예술 학원에서 사진을 공부했다. 현재 교토를 기반으로 작업하며 시즈오카 하마마츠에 있는 시즈오카문화예술대학교에서 강사로 활동하고 있다. 스즈키는 ‘본다’는 행위와 인간의 인지, 인식과의 관계에 관심을 가지고 작업하고 있다. 그는 사진뿐만 아니라 사물과 영상을 사용해 실제 현상과 그것을 포착하는 이미지 사이의 간극과 불일치, 그리고 이러한 간극과 불일치로 인해 발생하는 인간 인식의 변화를 다층적으로 제시한다.
모토하라 레이코는 1963년 시즈오카에서 태어났다. 그녀는 도쿄 타마 예술대학에서 그래픽 디자인을 공부한 후 세라믹(도자)을 연구하기 위해 런던으로 이주했다. 지금은 세라믹, 도기를 근간으로 작업을 진행하며, 설치, 퍼포먼스, 비디오 등 다양한 형식과 매체를 포괄하는 흥미로운 작업을 선보이고 있다. 최근 작가는 돌을 갈아서 도기 점토를 만드는 작업, 낯선 사람과 요리하고 식사하며 대화하는 작업, 보이지 않는 도시 하수도 경로를 추적하는 작업 같은 수행적이면서 실험적인 작업을 포함한 프로젝트를 진행하고 있다. 일면 무작위로 보일 수 있지만 작가의 모든 작업은 “흙”을 중심으로 하고 있다. 모든 생물은 궁극적으로 흙에서 태어나 흙으로 돌아가며 도기(점토)또한 흙을 통해 만들어진다. 더불어 모든 음식과 식물 또한 흙에서 자란다. 모토하라의 작품은 “결국 우리 모두는 같다”라는 낭만적이지만 날카로운 메시지를 전한다.
이번 전시의 주제는 “조화 調和Harmony”다. 음악에서 조화는 자연스럽고 즉각적으로 만들어지지 않는다. 아름다운 화음, 조화를 만들기 위해서는 많은 연습과 신중한 조율이 필요하다. 따라서 이번 전시 또한 그런 의미에서 연습으로 보일 수 있다. 연습은 때로는 재미있을 수 있지만 보통은 어렵고 엄중한 노력과 인내력이 필요하다. 그리고 ‘연습이 완벽을 만든다 Practice makes Perfect’는 말처럼 우리의 노력과 활동, 조화가 완벽해지기를 희망한다.
이 글을 쓰기 하루 전 나는 ‘동아시아’ 이야기를 다룬 “파친코”를 다 읽었다. 그리고 지금, 수 년 후 ‘동아시아’는 어떤 하모니를 연주하고 보여줄 수 있을지를 조용히 고민해 본다.
“East Asia” is a tricky concept: originally the word “Asia” is said to have been used in ancient Greek to point at modern-day Middle East (some scholars even connect Asia to Assyria); and the adjective “east” indicates a definitively Euro-centric perspective. If you put yourself in the middle of the Pacific Ocean, however, East Asia is suddenly located at the west end. Irony? But that’s how the world has been viewed by all for centuries, including us, East Asians ourselves.
When I first visited Jeonju in May 2023, for preparation and meeting for this exhibition, I carried a book by Korean American novelist Min Jin Lee, “Pachinko.” In this quiet but poignant odyssey of a Korean woman who came from a small island nearby Busan to end up in Osaka and other places in Japan, main characters are naturally Koreans and Japanese, but I was curiously intrigued by the seemingly only Chinese character in the novel, Hu, an orphan who worked for a Presbyterian church in Osaka as sexton. This may sound too innocent, but Hu’s brief presence made the story even more resonating with the phrase “East Asia” to me.
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In this exhibition, three artists representing Shizuoka are Akihito Okunaka, Takashi Suzuki, and Reico Motohara. Their artistic methods and media used are starkly different from each other, but all of them challenge the norm in their own way: how we see the appearance and design of the world; how we experience and understand the environment surrounding us; or how we face ourselves and others. It is as if to throw the viewer to the middle of the Pacific Ocean and ask, “In which direction is East Asia?”
Akihito Okunaka was born in Kyoto in 1981, and studied art education at Shizuoka University. Drawing on his academic training in education, Okunaka actively engages himself in art workshops for children as well as art festivals and projects in Japan and overseas alike. His recent creation focuses on “dynamism,” which relates to interaction and relationship between human and nature and objects. The audience literally “participates” in his large-scale, immersive installation, intuitively and physically experiencing the time and space with various senses such as vision, sound, and touch.
Takashi Suzuki was born in 1971. He studied photographic art at The Art Institute of Boston in the US and the Kunstakademie Dusseldorf in Germany. Now based in Kyoto, he works as lecturer at Shizuoka University of Art and Culture in Hamamatsu, Shizuoka. Suzuki’s artistic interest lies in the act of seeing/looking, and its relationship with human perception and awareness. His creation is multilayered, using not only photography but also objects and video to present the gaps and discrepancies between actual phenomena and the images that capture them, as well as the fluctuation of human perception caused by such gaps and discrepancies. We tend to look for meanings in what we see, and Suzuki’s artwork seems to highlight such tendency for allusion and association.
Reico Motohara was born in Shizuoka in 1963. Having studied graphic design at Tama Art University in Tokyo, Motohara moved to London to study ceramic art. Now, though deeply rooted in ceramic and pottery art, her art practice encompasses installation, performance, video and other forms and media, making her work uniquely diverse. Her recent projects include making pottery clay by grinding stones, cooking and eating meals with strangers, tracing the invisible underground sewage route in a town, and other performative and experimental actions. Though seemingly desultory, all her work is centered around “soil”: all living things ultimately return to soil; earthenware (clay) is made out of soil; and food (plant) grows on soil. Thus, Motohara’s work renders romantic but poignant awareness: we are all the same in the end.
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The theme of this three-country exhibition is “Harmony.” In music, harmony is not something you achieve naturally and instantly. Making beautiful harmony requires lots of practice and thoughtful coordination. So this exhibition should also be seen like that: practice. Practice can be fun sometimes, but it is usually tough and severe, requiring much perseverance. And let’s hope that, as the old saying goes, practice makes perfect.
The night before I am writing this essay, I finished reading “Pachinko,” an East Asian story. And now, I am quietly wondering what kind of harmony “East Asia” will be able to play after all these years.
「東アジア」というのは厄介な概念だ。「アジア」というのはもともと古代ギリシャで「東方」すなわち現在の中東地域を指す言葉として使われていたらしい（「アジア」と「アッシリア」と結びつける学者もいる）。「東」という接頭辞は抜き難い欧州中心の視点の表明でもある。しかし、例えば太平洋の真ん中に立ってみれば、東アジアはその「西」の端に位置しているように見えるのではないか。皮肉？ いや、これは何世紀もの長きにわたって、我々東アジア人自身も含めて、世界の見方がこのようなかたちで定着してきたということでしかない。
2023年5月、この展覧会の準備と打合せのために初めて全州（チョンジュ）を訪れたとき、私は『Pachinko』という本をバッグの中に携えていた。コリアン系アメリカ人作家ミン・ジン・リーが書いた、在日コリアンをテーマとした小説だ。釜山近郊の小さな島で生まれた少女がやがて日本に渡り、大阪やその他の地で変転の人生を歩む様子を淡々と描いた、静かながらも痛切な物語だ。舞台が朝鮮半島と日本なので、登場人物も当然ほぼすべてコリアンと日本人なのだが、そこにたった一人、ほんの脇役だが中国人が登場する。大阪の長老派教会で使用人として働くHuという孤児の若者だ。私は彼になぜか強く惹きつけられた。無邪気にすぎると言われるかもしれないが、Huの存在は今まさに向き合っている「東アジア」という言葉と響き合うもののように思われたのだ。
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本展では、日本・静岡から奥中章人、鈴木崇、本原令子という3名の現代美術作家の作品を展示している。制作の方法論もメディアもそれぞれ大きく異なるこの3人に共通している点を挙げるとするならば、それは「既成概念への挑戦」ということになるだろう。世界の姿をどのように捉えるか。取り巻く環境をどのように体感し、理解するか。自分自身や他者とどのように向き合うか──彼らの作品はこうした事柄において新たな視点を提供してくれる。あたかも太平洋の真ん中に私たちを放り込んで「さあ、東アジアはどっちにある？」と問いかけるかのように。
奥中章人は1981年京都生まれ、静岡大学教育学部卒業。美術教育分野の専門性を生かし、多彩な子供向けのワークショップを開催し、また国内外のアートフェスティバルやプロジェクトにも参加してきた。奥中が近年の制作の中心に据えているのは「ダイナミズム」という概念だ。人と自然、モノとの関係性や相互作用に焦点を当て、大規模でインタラクティブなインスタレーションを展開している。観客は、視覚、聴覚、触覚など多彩な身体感覚を刺激するその作品に文字通り「参加」し、空間と時間を直感的に体験する。
鈴木崇は1971年生まれ。アート・インスティテュート・オブ・ボストン（米国）やデュッセルドルフ芸術アカデミー（ドイツ）で写真を学び、現在は京都在住。静岡文化芸術大学（静岡県浜松市）で非常勤講師を務めている。鈴木の芸術的関心は「見る」という行為そのもの、そしてそれを起点とする人間の認知や意識の問題へと向けられている。写真だけでなくオブジェやビデオまで幅広いメディアを駆使し、世界の現象とそれを捉えたイメージとの間の乖離や齟齬、そしてそれに起因する意識の振れ幅までをも視覚的に提示するのが鈴木の作品の特徴だ。私たちは目に見えるものに意味を求めがちだが、鈴木の作品はそうした暗示や連想を求める人間の心性にも光を当てている。
本原令子は1963年静岡生まれ。多摩美術大学（東京）でグラフィックデザインを専攻したのち、英国ロンドンに渡って陶芸を学んだ。その制作活動は、陶芸・陶器を基盤としながらもインスタレーションからパフォーマンス、ビデオまで多岐にわたる。近年では、石を砕いて陶土をつくる、知らない人の家のキッチンを訪れて一緒に料理をつくり食卓を囲む、地中に埋設された下水管のルートを地上からたどる、など、パフォーマンス性の高いプロジェクトを作品として提示している。一見とりとめもなくバラバラに見えるそれらの作品は、すべて「土」につながっていると言えるだろう──すべての生命は死んで土に還る。陶器（焼き物）は土からつくられる。食品（農作物）は土で育つ、といったように。本原の作品は、「私たちは皆すべて同じ」という、ロマンチックかつ痛烈な感慨を私たちに抱かせてくれる。
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この展覧会のテーマには「ハーモニー」という言葉が掲げられている。音楽で言うなら、美しいハーモニーはそう簡単に生み出せるものではない。精緻な響きを生み出すには多くの練習と細かな調整が必要になる。この展覧会もそのようなもの、すなわち美しいハーモニーのための練習の場と呼べるのではないだろうか。練習には楽しさもあるが、それだけではない。忍耐が求められる苦しく厳しい道のりでもある。そして、英語の諺にもあるように、「Practice makes perfect」（うまくやるためには練習が必要、「習うより慣れろ」の意）が現実のものとなることを願おう。
この文章を書いている前夜、私はようやく小説『Pachinko』を読了した。これは東アジアの物語だ。そして今、長い長い歴史を経てきた「東アジア」がこれからどのようなハーモニーを奏でていくことになるのだろうか、と静かに考えている。
2023年7月8日、京都にて